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7 façons d’utiliser la musique pour créer de l’humeur et du sens à l’écran

Les cinéastes adorent jouer avec nos esprits. C’est ce qu’ils font le mieux s’ils sont bons dans leur travail. Ils peuvent déployer toutes sortes de moyens pour manipuler le public, que ce soit avec des angles de caméra, des objectifs spécifiques, l’éclairage de la scène, le dialogue ou les mouvements des acteurs – tout, en fait, est destiné à transmettre un sens. Et nulle part, pourrait-on dire, ce sens ne transparaît autant qu’avec le choix de la musique pendant une scène.

Bien sûr, nous nous souvenons de citations spécifiques et/ou d’actions physiques des acteurs, mais nous pouvons tous fredonner quelques mesures de Jurassic Park, des films Le Seigneur des anneaux, ou The Social Network. Et puis il y a les réalisateurs qui utilisent des chansons populaires (ou obscures) dans leurs œuvres. “Sister Christian” ; dans cette scène de Boogie Nights, “I Got You Babe” ; dans Groundhog Day, et “Day-O (The Banana Boat Song)” ; dans Beetlejuice sont tous d’excellents exemples de scènes qui utilisent parfaitement une chanson.

Ce sont toutes des chansons et des films très différents, mais elles font beaucoup de choses identiques pour créer une ambiance et un ton. Voici quelques-unes de ces choses et pourquoi elles fonctionnent. Gardez-les à l’esprit lorsque vous choisirez la musique de votre prochain projet.

La musique est un élément essentiel de la vie. https://www.youtube.com/embed/EfwGV4z4bgQ?feature=oembed&enablejsapi=1

1. Faites correspondre le ton auditif au ton visuel

C’est probablement la partie la plus fondamentale de l’ajout de musique. Vous choisissez une chanson ou une composition qui reflète le ton voulu des visuels. Une vidéo timelapse de la voie lactée au ralenti ne fonctionne pas vraiment avec du death metal, pas plus qu’une chanson atmosphérique lente ne fonctionne avec une vidéo tilt-shift de rallye de monster truck.

Ce n’est pas seulement la mélodie ou le rythme de la chanson qui transmet le message, non plus. Cela peut être les paroles (si la chanson a des paroles). Des paroles tristes avec une mélodie enjouée peuvent ne pas fonctionner avec une vidéo enjouée, car les paroles sont trop contrastées. Il en va de même pour les chansons plus lentes avec des paroles joyeuses. Assurez-vous que l’ensemble du morceau correspond bien à ce que vous voulez faire passer.

Prenez Simon and Garfunkel’s “The Sound of Silence.” ; C’est une chanson emblématique, qui a été utilisée dans de nombreux films, émissions de télévision, et oui, des mèmes. Mais comme il s’agit d’une chanson plus lente, plus sombre, avec des paroles sérieuses, elle est utilisée pour indiquer un tournant triste, surtout le riff d’ouverture. Cela dit, elle’a été utilisée dans des comédies, des drames et des films d’action, parce qu’elle donne toujours ce changement de tonalité avec ces notes d’ouverture.

Voici un supercut de tous les exemples les plus notables que j’ai pu trouver (en commençant par l’original, The Graduate), où “The Sound of Silence” ; donne un coup de pied et on devient sérieux – surtout si les personnages ont fait une énorme erreur.

2. Faire exactement le contraire et ne pas faire exprès de correspondre

A l’inverse, les cinéastes utiliseront une “chanson ou une composition inappropriée” ; afin de transmettre le chaos dans une scène calme, ou le calme dans une scène chaotique. Souvent, cela est utilisé à des fins comiques, comme dans le film Dirty Work, lorsque le personnage de Chris Farley veut une super chanson de combat, mais choisit… ; eh bien, vous devrez cliquer et voir.

3. Utiliser de la musique diégétique et non diégétique

La musique diégétique est une musique qui se produit à partir d’une source dans le monde du film. Dans le clip de Groundhog Day lié ci-dessus, le réveil est un exemple de musique diégétique. Elle provient d’un accessoire à l’intérieur du monde du film. La musique non diégétique est celle qui est ajoutée en dehors de l’espace scénaristique. Il s’agit essentiellement de tout lit musical ou partition que vous ajoutez pour le ton ou l’humeur émotionnelle.

La musique non diégétique est la musique qui est ajoutée en dehors de l’espace du récit.

Lorsque nous entendons une musique diégétique, nous n’avons pas la même réaction que la musique non diégétique à bien des égards. Nous comprenons qu’elle affecte les personnages de l’histoire (qui peuvent à leur tour nous affecter en tant que spectateurs), mais elle n’a pas autant d’oomph, parce qu’il y a la barrière de la réalité derrière laquelle nous sommes, qui vit la musique de l’extérieur. En revanche, si la musique diégétique se transforme en musique non diégétique, nous nous sentons instantanément immergés dans l’histoire et nous serons directement affectés par la musique.

Il s’agit d’une scène de la vie de tous les jours.

Prenez cette scène de Tommy Boy (je ne sais pas trop pourquoi deux films de Chris Farley figurent dans mes exemples, mais bon, je suppose que je montre mon âge). Regardez la musique passer du diégétique à la radio dans la voiture, au non diégétique, et inversement. Vous remarquerez la différence quand elle est sur la voiture ; c’est une sensation différente de celle que l’on ressent quand elle passe au monde extérieur dans le film (il y a une coupure là-dedans pour couper le bref entracte entre les chants).

4. insister sur les moments importants

Les films sportifs sont connus pour leurs énormes chansons qui enflent et font naître une foule d’émotions. Lorsque vous faites appel à un morceau de musique aussi épique et enflant, il est vraiment difficile de ne pas avoir un effet énorme sur le spectateur – gardez donc cela à l’esprit si vous voulez qu’il soit plus subtil – mais dans l’ensemble, vous pouvez utiliser une partition épique pour vraiment affiner l’émotion que vous voulez transmettre. Regardez le dernier at-bat de Roy Hobson (Robert Redford) dans The Natural et essayez de ne pas avoir la chair de poule. (SPOILERS, techniquement. Mais allez, si vous ne l’avez pas déjà vu, regardez-le).

La musique monte en puissance, frappant les spectateurs en plein cœur et tirant sur les cordes jusqu&#8217à ce qu&#8217ils aient des frissons et cataloguent ce moment comme l&#8217un des plus grands qu&#8217ils aient jamais vus. N’ayez jamais peur d’être épique, mais veillez à ce que cela soit adapté. Une partition épique sur une vidéo où il s&#8217agit de couper des légumes ne va pas vraiment faire grand-chose..

5. Transplanter les téléspectateurs dans un temps et un lieu

Si vous n’entendiez qu’un film qui passe dans l’autre pièce et qu’il y avait de la musique de Huey Lewis and The News ou de Michael Jackson dans la scène, vous sauriez que ce film se déroule très probablement dans les années 1980. De même, si vous entendiez une partition composée principalement de musique de sitar, vous sauriez que vous regardez probablement quelque chose qui se déroule en Inde.

Les cinéastes peuvent affiner des dates et des périodes spécifiques simplement en utilisant certaines musiques. Différentes générations peuvent expérimenter ces styles différemment, bien sûr, mais l’essentiel est qu’ils créent une tapisserie très détaillée pour quand et où un récit se déroule, et peuvent planter les téléspectateurs juste là pour ressentir les mêmes sentiments de cette période – comme, vous savez, l’ère disco des années 1970/80.
Il y a toutefois quelques mises en garde à cette règle. Comme pour la plupart des “règles” du cinéma, elles peuvent être transgressées. Des choix musicaux anachroniques ont été utilisés par de nombreux cinéastes au fil des ans. Sofia Coppola a utilisé de la musique post-punk moderne dans Marie Antoinette ; A Knight’s Tale présente des chansons rock classiques de Queen et AC/DC ; Baz Luhrmann a utilisé toutes sortes de chansons modernes d’artistes comme Nirvana et U2 dans des medleys et des numéros musicaux pour Moulin Rouge ; et Quentin Tarantino a utilisé des chansons de Rick Ross et John Legend pour Django Unchained.

6. faire en sorte que la musique remplisse le vide

Parfois, les choix musicaux sont intentionnellement destinés à être minimaux, afin de ne pas distraire de l’action à l’écran. C’est le cas pour de nombreuses vidéos documentaires ou d’interviews, où l’on veut un simple fond musical pour l’ambiance, mais cela peut aussi être le cas pour d’énormes superproductions. Prenez cet essai vidéo réalisé par les gens de la très divertissante chaîne YouTube Every Frame a Painting. Ils plongent profondément dans la raison pour laquelle nous ne nous souvenons d’aucune musique du Marvel Cinematic Universe.

Il n’y a rien de mal à avoir un morceau simple et quelconque sur votre pièce ; assurez-vous simplement d’en choisir un qui correspond au sujet.

7. Laissez tomber la musique si vous devez

Laisser de la musique ou une partition hors d’une certaine partie de votre vidéo ou de votre film peut avoir autant d’impact que la musique elle-même. Comme pour tout, tout dépend du moment où vous choisissez d’utiliser cette technique. Les moments dramatiques se déroulant en temps réel avec des sons naturels peuvent être un outil psychologique puissant pour montrer la brutalité et la réalité d’une situation donnée. Cela peut ajouter de la tension et du suspense s’il n’y a pas de fond sonore et que le public attend simplement que quelque chose se passe. La majorité de Cast Away n’a aucune musique, et c’est toujours aussi fascinant à regarder.

Si une scène manque de quelque chose alors que vous la regardez, essayez de jeter un morceau et voyez si cela aide, mais n’ayez pas peur de le laisser tel quel pour une expérience plus intense. (Cette scène de Django Unchained est très violente, donc avertissement juste si vous cliquez).

La musique peut être l’un des ajouts les plus essentiels à votre projet, ou simplement un remplissage de fond. Elle peut renforcer votre histoire et devenir un élément emblématique de la vidéo ou du film, ou vous pouvez la laisser de côté et garder ses effets minimaux et discrets. La clé est la façon dont vous l’utilisez, et la façon dont vous pouvez comprendre les effets et les techniques qui vous donnent la meilleure chance de clouer le bec la prochaine fois que vous envisagez d’ajouter de la musique.

Si vous réfléchissez déjà à ce que vous allez utiliser pour votre prochain projet, explorez dès maintenant la bibliothèque musicale de Pond5, où vous trouverez des centaines de milliers de pistes (et d’effets sonores !) qui peuvent vous aider à créer n’importe quelle émotion ou expérience que vous recherchez.

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